La obra de Daruich Hilal aborda la respuesta como una transformación realizada desde el interior de las estructuras que intentaron excluir ciertos cuerpos. En lugar de abandonar el lenguaje bíblico, Hilal conserva sus versículos y su autoridad, colocando dentro de ellos cuerpos queer y trans que nunca estuvieron destinados a ocupar ese espacio. La escritura permanece, pero ya no puede significar lo mismo.

Lo que emerge es una tensión entre disciplina y resistencia. Sus pinturas no recurren al caos; mantienen el control, la precisión y la tradición del óleo mientras el cuerpo sostiene el peso de la vigilancia, la guerra, la religión y la exposición. Esa contención no es pasividad. Es una forma de supervivencia que permite permanecer visible sin entregar aquello que todavía resiste dentro de la imagen.

En el centro de su trabajo está la negativa a renunciar a la belleza. Hilal sitúa cuerpos históricamente excluidos dentro de tradiciones pictóricas y religiosas que buscaron disciplinarlos, devolviéndoles presencia, deseo y autoridad. En su obra, responder no significa rechazar el texto. Significa habitarlo hasta obligarlo a hablar de otra manera.

Daruich Hilal’s work approaches the answer as a transformation made from within the structures that attempted to exclude certain bodies. Rather than abandoning biblical language, Hilal preserves its verses and authority while placing within them queer and trans bodies never intended to occupy that space. The scripture remains, but it can no longer mean the same thing.

What emerges is a tension between discipline and resistance. His paintings do not resort to chaos; they retain the control, precision, and tradition of oil painting while the body carries the weight of surveillance, war, religion, and exposure. This containment is not passivity. It is a form of survival that allows the body to remain visible without surrendering what still resists inside the image.

At the center of his work is a refusal to relinquish beauty. Hilal places historically excluded bodies within pictorial and religious traditions that sought to discipline them, returning presence, desire, and authority to those bodies. In his work, answering does not mean rejecting the text. It means inhabiting it until it is forced to speak differently.

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La obra de Felix D’Eon explora la continuidad como resistencia contra el borramiento. Sus pinturas se niegan a tratar el México indígena como algo muerto, silencioso o detenido en el pasado. A través de los códices, los Teteo y las historias antiguas, D’Eon construye imágenes donde la tradición aparece como una presencia viva: capaz de deseo, ceremonia, belleza, duelo y transformación.

Lo que emerge no es una separación entre lo queer y lo sagrado, sino una reconciliación profunda entre ambos. Su trabajo reúne sensualidad y devoción, ornamento y memoria, tradición indígena y vida contemporánea, rechazando la idea de que estos mundos deban permanecer apartados. En sus imágenes, el cuerpo no es expulsado de lo ceremonial; forma parte de él.

En el centro de su práctica está la búsqueda de una herencia interrumpida. Vivir en Juchitán, acercarse a la cultura zapoteca y a la presencia muxe transformó su comprensión de la identidad indígena, no como fantasía de origen, sino como responsabilidad comunitaria. Lo que aparece en la pintura no es nostalgia, sino retorno: flores que nacen de la muerte, cuerpos que se transforman, historias que sobreviven a la colonización y regresan al presente.

En la obra de D’Eon, la continuidad no es lo que permanece intacto. Es aquello que, incluso después del borramiento, encuentra la manera de volver a vivir.

Felix D’Eon’s work explores continuity as resistance against erasure. His paintings refuse to treat Indigenous Mexico as something dead, silent, or fixed in the past. Through the codices, the Teteo, and ancient stories, D’Eon creates images in which tradition appears as a living presence: capable of desire, ceremony, beauty, grief, and transformation.

What emerges is not a separation between queerness and the sacred, but a profound reconciliation between them. His work brings together sensuality and devotion, ornament and memory, Indigenous tradition and contemporary life, rejecting the idea that these worlds must remain apart. In his images, the body is not expelled from ceremony; it belongs within it.

At the center of his practice is the search for an interrupted inheritance. Living in Juchitán, encountering Zapotec culture and muxe presence, transformed his understanding of Indigenous identity—not as a fantasy of origin, but as a communal responsibility. What appears in the painting is not nostalgia, but return: flowers emerging from death, bodies transforming, stories surviving colonization and coming back into the present.

In D’Eon’s work, continuity is not what remains untouched. It is what, even after erasure, finds a way to live again.

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La obra de Francisco Solís confronta la historia del arte como un relato menos neutral de lo que pretende ser. Sus imágenes parten de una sospecha precisa: que muchas veces la academia ha preferido llamar “amistad”, “técnica” o “ideal clásico” a aquello que estaba claramente cargado de deseo. Frente a esa omisión elegante, Solís devuelve al cuerpo su evidencia.

Lo que emerge es una fricción entre la técnica neoclásica y el rumor antiguo, entre la belleza legitimada por la historia y aquello que esa misma historia intentó volver invisible. Su trabajo no rechaza la tradición pictórica; la utiliza como un espacio donde el deseo, el duelo y el escándalo pueden aparecer sin pedir permiso. La imagen sostiene un cuerpo que no solicita ser perdonado por haber sido mirado, amado o deseado.

En la obra de Solís, la belleza no funciona como adorno ni como evasión. Es una forma de acusación silenciosa contra las reglas que obligaron a ciertos cuerpos a esconder lo que era evidente. El escándalo no está en
el deseo. Está en la insistencia de fingir que nunca
estuvo ahí.

Francisco Solís’s work confronts art history as a record far less neutral than it claims to be. His images begin from a precise suspicion: that the academy has often preferred to call something “friendship,” “technique,” or “classical ideal” when it was clearly charged with desire. Against that elegant omission, Solís returns evidence to the body.

What emerges is a friction between Neoclassical technique and ancient rumor, between beauty legitimized by history and what that same history tried to render invisible. The work does not reject pictorial tradition; it uses it as a space where desire, mourning, and scandal can appear without asking permission. The image holds a body that does not request forgiveness for having been seen, loved, or desired.

In Solís’s work, beauty does not function as ornament or escape. It becomes a quiet accusation against the rules that forced certain bodies to hide what was already obvious. The scandal is not desire. It is the insistence on pretending it was never there.

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La obra de Michael Perry explora la quietud como una forma de libertad frente a la opinión ajena. Sus imágenes se alejan de la necesidad de explicar, convencer o justificar su existencia, proponiendo en cambio un espacio donde la obra puede fluir y el espectador puede descansar dentro de ella. En un mundo saturado de normas, miedos y exigencias de valor, su práctica ofrece una pausa: no como evasión, sino como una manera distinta de permanecer.

Lo que emerge es una confianza en el misterio del proceso. Perry no intenta fijar por completo de dónde viene la obra ni qué significa; permite que aparezca, que circule, que encuentre su propio ritmo. La creación se vuelve una bahía tranquila dentro del ruido, un lugar donde la mirada puede llegar a un punto de reposo sin perder contacto con la alegría.

En el centro de su trabajo existe una intuición expansiva de la realidad: una red atómica, un campo unificado, una sensación de infinito que se percibe tanto en la contemplación como en el cuerpo. En la obra de Perry, la quietud no es desconexión. Es el momento en que dejamos de vivir para la mirada de otros y permitimos que algo más vasto nos atraviese.

Michael Perry’s work explores stillness as a form of freedom from the opinion of others. His images move away from the need to explain, persuade, or justify their existence, offering instead a space where the work can flow and the viewer can rest within it. In a world crowded by norms, fears, and demands for value, his practice offers a pause: not as escape, but as another way of remaining present.

What emerges is a trust in the mystery of process. Perry does not attempt to fully define where the work comes from or what it means; he allows it to appear, circulate, and find its own rhythm. Creation becomes a quiet bay within the noise, a place where the gaze can arrive at a point of rest without losing contact with joy.

At the center of his work is an expansive intuition of reality: an atomic network, a unified field, a sense of infinity felt through both contemplation and the body. In Perry’s work, stillness is not disconnection. It is the moment we stop living for the gaze of others and allow something larger to move through us.

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La obra de Micheal Swank explora la fractura como una condición de supervivencia visible. Sus imágenes rechazan la exigencia de volver elegante el dolor, útil la ruptura o presentable el cuerpo después del daño. En lugar de ocultar aquello que se ha quebrado, Swank permite que la herida permanezca en la superficie como una forma de conocimiento: no como espectáculo, sino como evidencia de una vida que siguió respirando antes de saber cómo continuar.

Lo que emerge no es una narrativa de reparación limpia, sino una práctica de recomposición. La enfermedad, el miedo, el cansancio, la ternura y la dependencia dejan de ser abstracciones para convertirse en hechos físicos. El estudio aparece como un lugar donde se reúnen los fragmentos: memoria, habitaciones, animales, superficies, duelo, humor, deseo y la necesidad terca de seguir haciendo algo con lo que queda.

En el centro de su obra existe una tensión entre lo doméstico y lo salvaje, la decoración y el colapso, la suavidad y la defensa. La habitación familiar deja de ser neutral; empieza a revelar lo que ha estado guardando desde siempre. En la obra de Swank, la fractura no es una falla que deba esconderse. Es el lugar donde el cuerpo aprende a sostener otra forma de verdad.

Micheal Swank’s work explores fracture as a condition of visible survival. His images reject the demand to make pain elegant, rupture useful, or the body presentable after damage. Rather than hiding what has broken, Swank allows the wound to remain at the surface as a form of knowledge: not as spectacle, but as evidence of a life that kept breathing before it knew how to continue.

What emerges is not a clean narrative of repair, but a practice of reassembly. Illness, fear, exhaustion, tenderness, and dependency stop being abstractions and become physical facts. The studio appears as a place where fragments gather: memory, rooms, animals, surfaces, grief, humor, desire, and the stubborn need to keep making something from what remains.

At the center of his work is a tension between the domestic and the feral, decoration and collapse, softness and defense. The familiar room stops being neutral; it begins to reveal what it has been holding all along. In Swank’s work, fracture is not a failure to be hidden. It is the place where the body learns to hold another form of truth.

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La obra de Leah Cupino explora la migración como una fuerza de transformación, una negativa a permanecer definida por el punto de origen. Sus imágenes cuestionan las narrativas heredadas sobre pertenencia, identidad y destino, proponiendo que el movimiento puede convertirse en una forma de autodescubrimiento.

Lo que emerge es una resistencia a las definiciones impuestas. Cupino examina cómo las expectativas familiares, sociales y culturales moldean nuestra comprensión de quiénes debemos ser, invitando a abandonar las certezas heredadas en favor de una búsqueda más personal y abierta al cambio.

En el centro de esta obra se encuentra la figura de la roca errática: un cuerpo desplazado que existe fuera de las categorías que intentan explicarlo. A través de esta metáfora, reúne el peso de las expectativas con el placer de desafiarlas, imaginando nuevos horizontes para quienes se atreven a abandonar caminos prescritos.

La obra de Cupino es también una celebración de quienes abrieron caminos antes que nosotros. Un homenaje a las personas que avanzaron sin mapas, sin permiso y muchas veces sin apoyo, creando posibilidades para quienes vendrían después.

En la obra de Cupino, la migración no es abandonar lo que fuiste. Es avanzar hacia aquello que aún no tiene nombre.

Leah Cupino’s work explores migration as a force of transformation, a refusal to remain defined by one’s point of origin. Her images question inherited narratives of belonging, identity, and destiny, proposing movement itself as a form of self-discovery.

What emerges is a resistance to imposed definitions. Cupino examines how familial, social, and cultural expectations shape our understanding of who we are supposed to be, encouraging viewers to leave inherited certainties behind in favor of a more personal and evolving path.

At the center of this work is the figure of the erratic boulder: a displaced body existing beyond the categories meant to explain it. Through this metaphor, she brings together the weight of expectation and the delight of defying it, imagining new horizons for those willing to leave prescribed paths behind.

Cupino’s work is also a celebration of those who forged paths before us. It honors people who moved forward without maps, permission, or support, creating possibilities for those who would follow.

In Cupino’s work, migration is not about leaving behind who you were. It is about moving toward what has not yet been named.

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La obra de Shendra Stucki explora la transformación como una experiencia vivida más que como una identidad fija. Sus imágenes habitan el espacio entre opuestos: blanco y negro y color, control y libertad, estructura y liberación. Lo que le interesa no es el estado final del cambio, sino el momento en que una persona reconoce que ya no puede regresar a quien era antes.

Lo que emerge es una crítica a las categorías que pretenden definir la experiencia humana. Stucki cuestiona la lógica del género como una estructura cerrada, señalando la incapacidad de las etiquetas para contener la complejidad de la existencia. Su trabajo propone una visión donde la diferencia no separa, sino que conecta, permitiendo formas más amplias de relación y reconocimiento.

En el centro de esta obra se encuentra la experiencia de la transformación como resistencia. Vivir entre culturas, enfrentar la discriminación y encontrar comunidad dentro de la diferencia han convertido el cambio en una práctica activa. La obra funciona como una declaración de perseverancia, una insistencia en que la libertad no es algo que se espera, sino algo que se ejerce.

En la obra de Stucki, la transformación no es convertirse en otra cosa. Es la decisión de dejar atrás aquello que ya no puede contenerte.

Shendra Stucki’s work explores transformation as a lived experience rather than a fixed identity. Her images inhabit the space between opposites: black and white and color, control and freedom, structure and release. What interests her is not the final state of change, but the moment a person realizes they can no longer return to who they once were.

What emerges is a critique of the categories that attempt to define human experience. Stucki challenges the logic of gender as a closed system, exposing the inability of labels to contain the complexity of existence. Her work proposes a vision in which difference does not divide but connects, allowing broader forms of relation and recognition to emerge.

At the center of this work is the experience of transformation as resistance. Living between cultures, confronting discrimination, and finding community through difference have turned change into an active practice. The work functions as a declaration of perseverance, insisting that freedom is not something to wait for, but something to enact.

In Stucki’s work, transformation is not about becoming something else. It is the decision to leave behind what can no longer contain you.

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La obra de Azul Noguerón explora la suavidad como una forma de resistencia frente a las expectativas de perfección y fortaleza que con frecuencia se imponen sobre los cuerpos latinos. Sus imágenes cuestionan la idea de que el valor personal debe demostrarse a través del sacrificio, el trabajo constante o la capacidad de soportarlo todo. En su lugar, proponen la vulnerabilidad, el descanso y el cuidado como formas legítimas de existencia.

Lo que emerge es una reconsideración de la resiliencia. Noguerón desafía la creencia de que la salud mental debe permanecer en silencio, especialmente dentro de comunidades donde la fortaleza suele celebrarse por encima de la fragilidad. Su trabajo reconoce que romperse no es un fracaso, sino una condición humana que puede abrir espacio para la conexión, el reconocimiento mutuo y el apoyo colectivo.

En el centro de esta obra se encuentra una experiencia de cuidado. Inspirade por el apoyo recibido de amistades y comunidad, Noguerón reflexiona sobre la necesidad de dirigirse primero la compasión a sí misme antes de poder ofrecerla a los demás. El caos, la emoción y la inestabilidad no aparecen como problemas a corregir, sino como realidades que pueden sostenerse con honestidad.

En la obra de Noguerón, la suavidad no es una ausencia de fuerza. Es la decisión de permanecer presente incluso cuando todo parece desordenarse.

Azul Noguerón’s work explores softness as a form of resistance against expectations of perfection and strength often imposed upon Latine bodies. Their images challenge the idea that personal worth must be proven through sacrifice, constant labor, or endless endurance. Instead, they propose vulnerability, rest, and self-care as valid ways of being.

What emerges is a reconsideration of resilience. Noguerón questions the belief that mental health struggles should remain unspoken, particularly within communities where strength is often valued above fragility. Their work recognizes that breaking down is not failure, but a human condition that can create space for connection, recognition, and collective care.

At the center of this work is an experience of support. Inspired by the care they received from friends and community, Noguerón reflects on the necessity of offering compassion to themself before extending it to others. Chaos, emotion, and instability are not presented as problems to solve, but as realities that can be held with honesty and tenderness.

In Noguerón’s work, softness is not the absence of strength.
It is the decision to remain present even when everything feels like it is coming apart.

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La obra de Javier Ocampo Hernández explora la abyección como la imposibilidad de separarnos por completo de aquello que rechazamos. Sus imágenes atraviesan preguntas sobre poder, deseo, raza y corporalidad, revelando que el asco muchas veces funciona no como distancia, sino como una forma de cercanía. La obra pregunta qué ocurre cuando reconocemos que no estamos fuera de los sistemas que criticamos, sino implicados dentro de ellos.

Lo que emerge es una confrontación con la contradicción. Ocampo cuestiona la fantasía de la huida, mostrando cómo la identidad permanece entrelazada con el apego, la ansiedad y las jerarquías heredadas. Su trabajo aborda la pigmentocracia y las formas en que los cuerpos son leídos, valorados y posicionados dentro de estructuras de poder.

En el centro de su práctica existe el reconocimiento de que la crítica también debe dirigirse hacia uno mismo. La obra admite la complicidad junto a la resistencia, rechazando la comodidad de las oposiciones simples entre libertad y restricción, víctima y responsable. En su lugar, habita el espacio incómodo donde esas categorías comienzan a desmoronarse.

En la obra de Ocampo, la abyección no es aquello que se expulsa. Es aquello que permanece cuando comprendemos que también formamos parte de lo que intentamos dejar atrás.

Javier Ocampo Hernández’s work explores abjection as the impossibility of separating ourselves from what we reject. His images move through questions of power, desire, race, and embodiment, revealing how disgust often functions not as distance, but as a form of intimacy. The work asks what happens when we recognize that we are not outside the systems we critique, but implicated within them.

What emerges is a confrontation with contradiction. Ocampo challenges the fantasy of escape, exposing how identity remains entangled with attachment, anxiety, and inherited hierarchies. His work engages questions of pigmentocracy and the ways bodies are read, valued, and positioned within structures of power.

At the center of his practice is a recognition that critique must also turn inward. The work acknowledges complicity alongside resistance, rejecting the comfort of simple oppositions between freedom and constraint, victim and perpetrator. Instead, it inhabits the uneasy space where those categories begin to collapse.

In Ocampo’s work, abjection is not what is cast out. It is what remains when we realize we are part of the thing we are trying to leave behind.

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La obra de Eva Mueller explora la insistencia como una negativa a desaparecer. Sus imágenes confrontan los sistemas que regulan los cuerpos, el género y el deseo, preguntando por qué ciertas formas de existencia continúan siendo consideradas transgresoras. Más que asumir la visibilidad como algo garantizado, Mueller la entiende como un acto continuo de resistencia frente al borrado y al miedo.

Lo que emerge es un cuestionamiento de las normas que suelen presentarse como naturales, revelándolas como construcciones sostenidas por la repetición y la imposición. Al hacerlo, abre espacio para identidades y experiencias que se niegan a cumplir esas expectativas.

Desarrollada a partir de conversaciones con la performer Eileen Dover, esta obra aborda temas de identidad trans, religión, autonomía corporal y visibilidad. Más allá de la confrontación, existe un deseo profundamente humano: ser visto por completo, con honestidad y sin disculpas.

La obra de Mueller reúne martirio religioso y corporalidad queer, vulnerabilidad y resistencia. En lugar de resolver esas tensiones, las mantiene visibles.

En la obra de Mueller, la insistencia no es simplemente el acto de ser visto. Es la negativa a retroceder cuando otros preferirían que desaparecieras.

Eva Mueller’s work explores insistence as the refusal to disappear. Her images confront the systems that regulate bodies, gender, and desire, asking why certain forms of existence continue to be treated as transgressive. Rather than accepting visibility as a given, Mueller approaches it as an ongoing act of resistance against erasure and fear.

What emerges is a challenge to norms often described as natural, exposing them instead as constructions maintained through repetition and enforcement. In doing so, she creates space for identities and experiences that refuse those expectations.

Developed through conversations with performer Eileen Dover, this work engages questions of trans identity, religion, bodily autonomy, and visibility. Beyond confrontation lies a deeply human desire: to be seen fully, honestly, and without apology.

Mueller’s work brings together religious martyrdom and queer embodiment, vulnerability and defiance. Rather than resolving these tensions, it keeps them visible.

In Mueller’s work, insistence is not simply the act of being seen. It is the refusal to retreat when others would prefer you disappear.

Created in collaboration with performer Eileen Dover, this mixed media work explores trans embodiment, religious symbolism, bodily autonomy, visibility, and queer resistance through the visual language of martyrdom and performance.

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La obra de Joan Cox explora la huella como una forma de presencia que se extiende más allá del cuerpo. Sus pinturas se centran en la intimidad de las relaciones entre mujeres, cuestionando la idea de que esos vínculos son secundarios, incompletos o menos significativos que las narrativas heterosexuales. En cambio, su trabajo afirma su profundidad, permanencia y peso emocional.

Lo que emerge es una visibilidad silenciosa pero persistente. Pintadas sobre mylar transparente, las figuras aparecen luminosas e inmediatas, pero también proyectan sombras que permanecen más allá de la imagen. Esas marcas sutiles funcionan como metáforas de la forma en que las personas dejan rastros unas en otras y dentro de sus comunidades: a veces imperceptibles al principio, pero imposibles de ignorar una vez reconocidos.

En el centro de su práctica existe una tensión entre fragilidad y permanencia. La obra captura momentos de intimidad y ternura mientras les otorga una escala y una gravedad habitualmente reservadas para los grandes relatos históricos. Cox se interesa por cómo las vidas queer pueden sentirse vulnerables y duraderas al mismo tiempo, existiendo no como espectáculo, sino como algo que se acumula a través de la memoria, la repetición y el cuidado.

En la obra de Cox, la huella no es aquello que se desvanece con el tiempo. Es aquello que permanece mucho después de que el momento ha pasado.

Joan Cox’s work explores the trace as a form of presence that extends beyond the body itself. Her paintings center the intimacy of relationships between women, challenging the assumption that such connections are secondary, incomplete, or less significant than heterosexual narratives. Instead, her work insists on their depth, permanence, and emotional weight.

What emerges is a quiet but persistent visibility. Painted on transparent mylar, the figures appear luminous and immediate, yet they also cast shadows that linger beyond the image itself. These subtle imprints become metaphors for the ways people leave marks on one another and within their communities—often unnoticed at first, but impossible to ignore once recognized.

At the center of her practice is a tension between fragility and endurance. The work captures tender, intimate moments while granting them the scale and gravity often reserved for historical subjects. Cox is interested in how queer lives can feel both vulnerable and enduring at once, existing not as spectacle, but as something that accumulates through memory, repetition, and care.

In Cox’s work, the trace is not what fades with time. It is what remains long after the moment has passed.

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La obra de Jack Novosel explora el duelo como una condición que se resiste a la resolución. Sus imágenes surgen de experiencias de distanciamiento, transición y de la compleja realidad de perder el vínculo con personas que siguen vivas. En lugar de tratar el duelo como un proceso privado o silencioso, Novosel lo arrastra hacia la superficie junto al enojo, el humor, el amor y el absurdo que con frecuencia acompañan a la pérdida.

Lo que emerge es una negativa a desaparecer. Su trabajo examina qué significa seguir cargando el apego y la memoria cuando los vínculos se han fracturado, sosteniendo el duelo y la resistencia dentro del mismo espacio. La imaginería funeraria se convierte en una procesión no solo por lo que se perdió, sino también por lo que permanece: el cuerpo, el deseo, la identidad y la insistencia de seguir adelante a pesar del rechazo.

En el centro de su práctica existe una tensión entre la tristeza y la irreverencia. Caballos fantasma, mensajes ocultos y momentos inesperados de humor interrumpen la solemnidad esperada del duelo, revelándolo como algo indisciplinado y vivo. En lugar de rendirse a la desesperación, la obra insiste en el movimiento y pregunta cómo continuamos cuando la conexión se ha roto, pero el amor permanece.

En la obra de Novosel, el duelo no es aquello que termina cuando alguien desaparece. Es aquello que sigue avanzando mucho después.

Jack Novosel’s work explores grief as a condition that refuses resolution. His images emerge from experiences of estrangement, transition, and the complicated reality of losing connection to people who are still alive. Rather than treating grief as a private or silent process, Novosel pulls it into view—alongside anger, humor, love, and the absurdity that often accompanies loss.

What emerges is a refusal to disappear. His work examines what it means to carry attachment and memory forward even after relationships have fractured, holding mourning and defiance in the same space. Funeral imagery becomes a procession not only for what has been lost, but for what survives: the body, desire, identity, and the insistence on continuing despite rejection.

At the center of his practice is a tension between sorrow and irreverence. Ghost horses, hidden messages, and moments of unexpected humor disrupt the expected solemnity of grief, revealing loss as something unruly and alive. Rather than collapsing into despair, the work insists on movement, asking how we continue when connection has been severed but love remains.

In Novosel’s work, grief is not what ends when someone disappears. It is what continues to move long after.

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La obra de Rodolfo Pérez explora el desconocer como una liberación consciente de la certeza. En lugar de buscar respuestas definitivas, identidades estables o significados cerrados, su práctica abraza la apertura, creando espacio para que la presencia exista sin necesidad de explicación. Su trabajo pregunta qué permanece cuando la autoridad del lenguaje, la identidad y la definición del yo comienza a disolverse.

Lo que emerge es un proceso de entrega más que de descubrimiento. Pérez entiende la transformación como un desprendimiento gradual de expectativas heredadas y apegos acumulados. A partir de experiencias de introspección, sufrimiento y confrontación personal, su obra propone que la incertidumbre no es un fracaso del conocimiento, sino una condición de libertad. La imagen deja de tratarse de comprender para convertirse en una forma de habitar lo desconocido.

En el centro de su práctica existe un desmontaje de la importancia personal. La obra se aleja de la performance, de la certeza y de la afirmación para acercarse a la quietud, el silencio y la atención. Como una serpiente que muda de piel, el yo no se perfecciona; se desprende continuamente de sí mismo para dejar espacio a algo menos fijo y más vivo.

En la obra de Pérez, el desconocer no es vacío. Es la libertad que permanece cuando la certeza deja de ser necesaria.

Rodolfo Pérez’s work explores unknowing as a deliberate release from certainty. Rather than seeking fixed answers, stable identities, or definitive meanings, his practice embraces openness—creating space for presence to emerge without the need for explanation. His work asks what remains when the authority of language, identity, and self-definition begins to loosen.

What emerges is a process of surrender rather than discovery. Pérez approaches transformation as a shedding, a gradual release of inherited expectations and attachments. Drawing from experiences of introspection, suffering, and personal reckoning, his work treats uncertainty not as a failure of knowledge, but as a condition of freedom. The image becomes less about understanding and more about inhabiting the unknown.

At the center of his practice is a dismantling of self-importance. The work moves away from performance, certainty, and declaration toward stillness, silence, and attention. Like a snake shedding its skin, the self is not perfected but continually released, making room for something less fixed and more alive.

In Pérez’s work, unknowing is not emptiness. It is the freedom that remains when certainty is no longer required.

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La obra de Mason Weiss explora el yo como algo que se construye continuamente a través de la relación, la vulnerabilidad y el cuidado. Sus imágenes y esculturas nacen del reconocimiento de que la identidad suele formarse bajo la presión de expectativas externas—expectativas que enseñan a medir el valor propio según la capacidad de encajar. En lugar de aceptar esas condiciones, Wise dirige la mirada hacia sí mismo para preguntarse qué ocurre cuando el reconocimiento sustituye a la corrección.

Lo que emerge es una práctica de ternura hacia el propio ser. A través del autorretrato y la escultura, Weiss crea objetos que funcionan como extensiones de su cuerpo y experiencia, permitiendo que el cuidado, el afecto y la aceptación adopten una forma material. Su trabajo propone que la sanación no comienza reparando algo roto, sino cuestionando si alguna vez estuvo roto realmente.

En el centro de su práctica se encuentra la vulnerabilidad, entendida no como debilidad, sino como una forma de fortaleza. La obra invita a reconectar con formas de curiosidad, amor e imaginación que muchas veces se abandonan al crecer, evocando el afecto sencillo que alguna vez sentimos por nuestros objetos más queridos.

En la obra de Weiss, el yo no es algo que espera ser descubierto. Es algo que se aprende a sostener a través de la práctica constante del cuidado.

Mason Weiss’s work explores the self as something continuously shaped through relationship, vulnerability, and care. His images and sculptures emerge from the recognition that identity is often formed under the pressure of external expectations—expectations that teach us to measure our worth by how successfully we conform. Rather than accepting those conditions, Weiss turns inward, asking what becomes possible when self-recognition replaces self-correction.

What emerges is a practice of tenderness directed toward the self. Through self-portraiture and sculpture, Weiss creates objects that function as extensions of his own body and experience, allowing care, affection, and acceptance to take material form. His work suggests that healing does not begin with fixing what is broken, but with questioning whether brokenness was ever an accurate description in the first place.

At the center of his practice is vulnerability—not as weakness, but as a gesture of strength. The work invites viewers to reconnect with forms of curiosity, affection, and imagination that are often abandoned in adulthood, recalling the uncomplicated love once given to cherished objects, toys, and companions.

In Weiss’s work, the self is not something waiting to be discovered. It is something learned through the ongoing practice of holding oneself with care.

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La obra de Eddie Milla explora el placer como una forma legítima de conocimiento. Sus imágenes rechazan la idea de que el deseo, la fantasía y la sexualidad pertenezcan fuera de la conversación cultural seria, abrazándolos en cambio como formas esenciales de comprender el ser. Aquello que con frecuencia es señalado como tabú, exceso o transgresión se convierte en un espacio de reflexión, creación y afirmación.

Lo que emerge no es una búsqueda de permanencia, sino una aceptación de la naturaleza efímera de la felicidad. Realizado durante un período de profunda alegría, el trabajo de Milla habita la intersección entre sexualidad y arte, reconociendo que el placer adquiere significado no a pesar de su carácter transitorio, sino precisamente por él. Sus imágenes invitan a habitar plenamente el momento presente, sin vergüenza, sin reservas y sin necesidad de justificación.

En el centro de su práctica existe la convicción de que el ser no puede dividirse en partes separadas. El deseo, la imaginación, la sexualidad y la expresión artística coexisten y se alimentan mutuamente. En lugar de ocultar esas intersecciones, Milla las mantiene visibles, celebrando la complejidad de la experiencia vivida.

En la obra de Milla, el placer no es una evasión de la vida. Es una manera de habitarla más plenamente.

Eddie Milla’s work explores pleasure as a legitimate form of knowledge. His images reject the idea that desire, fantasy, and sexuality belong outside serious cultural conversation, instead embracing them as essential ways of understanding the self. What is often labeled taboo, excessive, or illicit becomes a site of reflection, creativity, and affirmation.

What emerges is not a pursuit of permanence, but an embrace of the fleeting nature of joy itself. Created during a period of profound happiness, Milla’s work inhabits the intersection of sexuality and art, recognizing that pleasure gains meaning not despite its transience, but because of it. His images invite viewers to enter moments of presence fully, without shame, hesitation, or the need for justification.

At the center of his practice is the belief that the self cannot be divided into separate parts. Desire, imagination, sexuality, and artistic expression exist together, each informing the others. Rather than concealing these intersections, Milla allows them to remain visible, celebrating the complexity of lived experience.

In Milla’s work, pleasure is not an escape from life. It is a way of inhabiting it more completely.

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La obra colaborativa de Grito Viejito explora la presencia como un estado que surge cuando las creencias heredadas, las identidades y los miedos comienzan a perder su dominio. A partir de experiencias de enfermedad, espiritualidad y transformación personal, el proyecto se desplaza más allá de la pregunta de quiénes somos para situarse en la experiencia de simplemente estar. En las imágenes del proyecto, la conciencia se vuelve más importante que la certeza, invitando al espectador a un espacio de atención en lugar de juicio.

Lo que emerge no es una evasión del sufrimiento, sino una relación distinta con él. Grito Viejito aborda la experiencia de vivir con VIH no como una carga, sino como un despertar: un momento que transforma el dolor en una invitación a habitar el presente con mayor plenitud. El trabajo propone que la sanación no surge del control ni de la negación, sino del reconocimiento de nuestra conexión con los demás, con el mundo y con aquello que existe más allá de la idea fija del yo.

En el centro de la práctica de Grito Viejito están el cuidado, el oficio y la colaboración. Actualmente, el proyecto explora cómo la gratitud puede disolver la separación. El trabajo pregunta qué permanece cuando el pensamiento se aquieta, cuando la identidad se afloja y cuando la urgencia del momento presente se vuelve imposible de ignorar.

En la obra de Grito Viejito, la presencia no es lo que sabemos. Es lo que permanece cuando dejamos de aferrarnos a la certeza.

Grito Viejito’s collaborative projects explore presence as a state that emerges when inherited beliefs, identities, and fears begin to loosen their hold. Drawing from experiences of illness, spirituality, and personal transformation, the project moves beyond the question of who we are and toward the experience of simply being. In the project’s images, awareness takes precedence over certainty, inviting viewers into a space of attention rather than judgment.

What emerges is not an escape from suffering, but a different relationship to it. Grito Viejito approaches the experience of living with HIV not as a burden to carry, but as a catalyst for awakening: a moment that transforms pain into an invitation to inhabit the present more fully. The work suggests that healing does not come through denial or control, but through the recognition of connection: to oneself, to others, and to the world beyond the boundaries of the isolated self.

At the center of Grito Viejito’s practice is care, craft, and collaboration. Currently, the project’s work is exploring how gratitude can dissolve separation. The work asks what remains when thought falls silent, when identity loosens, and when the urgency of the present moment becomes impossible to ignore.

In Grito Viejito’s work, presence is not what we know. It is what remains when we stop clinging to certainty.

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La obra de Caitlin Gill examina lo que significa habitar un cuerpo situado dentro de sistemas de control, vigilancia y violencia. A partir de experiencias de vulnerabilidad de género, sus imágenes cuestionan la idea de que la obediencia garantiza seguridad, revelando la fragilidad de las estructuras que prometen protección.

Lo que emerge no es una reflexión sobre la victimización, sino una negativa a aceptarla como identidad fija. Al abordar la cultura de la violación, la domesticación, el consumo y la exhibición del cuerpo, Gill expone cómo ciertas vidas son condicionadas a aceptar el peligro como algo cotidiano mientras recuperan agencia a través del testimonio, la confrontación y la visibilidad.

En el centro de su práctica existe una insistencia en nombrar aquello que se ha normalizado. Su obra pregunta cómo la violencia se vuelve invisible por repetición y por qué ciertas personas aprenden a atravesar el mundo como si el daño fuera inevitable.

En la obra de Gill, la presa no está definida por la debilidad. Está definida por los sistemas que marcan ciertos cuerpos como disponibles para el daño y por su negativa a permanecer en silencio.

Caitlin Gill’s work examines what it means to inhabit a body positioned within systems of control, surveillance, and violence. Drawing from experiences of gendered vulnerability, her images challenge the belief that compliance guarantees safety, exposing instead the fragility of the structures meant to protect us.

What emerges is not simply a reflection on victimization, but a refusal of it as a fixed identity. Addressing rape culture, domestication, consumption, and display, Gill reveals how bodies are conditioned to accept danger as ordinary while reclaiming agency through witness, confrontation, and visibility.

At the center of her practice is an insistence on naming what has become normalized. Her work asks how violence becomes invisible through repetition and why certain lives are expected to move through the world as though harm were inevitable.

In Gill’s work, the prey is not defined by weakness. It is defined by the systems that mark certain bodies as available for harm—and by their refusal to remain silent.

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La obra de Adam David Bencomo aborda el gozo como un acto de resistencia. Sus fotografías colocan en el centro cuerpos que históricamente han sido excluidos de los estándares dominantes de belleza, visibilidad y deseo, insistiendo en que el placer, el juego, la intimidad y la autoaceptación pertenecen a todas las personas. En sus imágenes, los cuerpos grandes no aparecen como símbolos de vergüenza o transformación; son ya dignos de celebración.

Lo que emerge es una combinación de ternura y desafío. El trabajo de Bencomo está marcado por un profundo compromiso con la visibilidad, nacido del momento en que dejó de separar su identidad como persona queer de su identidad como artista. Sus fotografías rechazan la expectativa de que las personas queer, las personas gordas o cualquiera que se sitúe fuera de la norma deba reducirse para ser aceptado. En cambio, ocupan espacio plenamente: ríen, desean, descansan y existen sin disculparse.

En el centro de la obra habita la convicción de que el cuidado y el gozo son formas de resistencia. Los momentos cotidianos—una mirada compartida, un gesto juguetón, un cuerpo cómodo consigo mismo—se convierten en declaraciones frente a sistemas que dependen de la vergüenza y la exclusión. Bencomo nos recuerda que la visibilidad no consiste únicamente en ser visto, sino en ser visto con dignidad.

En la obra de Bencomo, el gozo no es una recompensa otorgada por la aceptación. Es la negativa a desaparecer mientras se espera por ella

Adam David Bencomo’s work approaches joy as an act of refusal. His photographs center bodies that have often been excluded from dominant standards of beauty, visibility, and desirability, insisting instead that pleasure, playfulness, intimacy, and self-acceptance belong to everyone. In his images, larger bodies are not symbols of shame or transformation; they are already worthy of celebration.

What emerges is both tenderness and defiance. Bencomo’s work is shaped by a deep commitment to visibility, born from the decision to stop separating his identity as a queer person from his identity as an artist. His photographs reject the expectation that queer people, fat people, or anyone deemed outside the norm should make themselves smaller in order to be accepted. Instead, they occupy space fully—laughing, desiring, resting, and existing without apology.

At the heart of the work is a belief that care and joy are forms of resistance. The ordinary moments—a shared glance, a playful gesture, a body at ease with itself—become declarations against systems that thrive on shame and exclusion. Bencomo reminds us that visibility is not only about being seen, but about being seen with dignity.

In Bencomo’s work, joy is not a reward granted by acceptance. It is the refusal to disappear while waiting for it.

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La obra de Jaimes Mayhew explora el futuro como un espacio que históricamente ha sido negado a las personas queer y trans. Sus imágenes nacen de la experiencia de crecer dentro de una cultura que con frecuencia presenta las vidas marginadas como temporales, incompletas o destinadas a desaparecer antes de poder desplegarse plenamente. Frente a esa narrativa, su trabajo insiste en la posibilidad radical de imaginar un futuro.

Lo que emerge no es un plano para construir una utopía, sino una práctica de imaginación. Mayhew se interesa por el acto de visualizar aquello que todavía no existe, entendiendo que la esperanza puede convertirse en una forma de resistencia. Conectando la experiencia personal con escalas más amplias de tiempo humano y geológico, su obra pregunta qué posibilidades aparecen cuando la supervivencia deja de ser el único horizonte disponible y las vidas queer pueden imaginarse más allá del presente.

En la obra de Mayhew, el futuro no es un destino al final del camino. Es un acto de persistencia: la negativa a renunciar a la posibilidad, incluso cuando el mundo insiste en decir que no existe.

Jaimes Mayhew’s work explores the future as a space that queer and trans people have historically been denied. His images emerge from the experience of growing up within a culture that often treats marginalized lives as temporary, incomplete, or destined to disappear before they can fully unfold. Against that narrative, his work insists on the radical possibility of imagining a future at all.

What emerges is not a blueprint for utopia, but a practice of imagination. Mayhew is interested in the act of envisioning what does not yet exist—understanding that hope itself can become a form of resistance. Drawing connections between personal experience and larger scales of human and geological time, his work asks what becomes possible when survival is no longer the only horizon available, and when queer lives are allowed to imagine themselves extending beyond the present moment.

In Mayhew’s work, the future is not a destination waiting at the end of history. It is an act of persistence—a refusal to surrender possibility, even in a world that repeatedly insists it does not exist.

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La obra de Sarah Siegel aborda la creación como un acto de autoría: el momento en que una persona deja de buscar una imagen preexistente de sí misma y comienza a construirla. Su trabajo entiende lo queer no como algo fijo que se descubre, sino como algo que se forma a través de la elección, la reflexión y el valor de imaginar una vida más allá de lo impuesto.

A partir de las historias de comunidades queer y trans, Siegel concibe la identidad como un proceso de autocreación, donde el cuerpo participa en la construcción de su propio significado. Convertirse en quien realmente se es aparece aquí no como una ruptura con lo divino, sino como uno de sus actos más profundos.

En el centro de su práctica hay una aceptación radical de sí misma. A través de la alegría, la visibilidad y la presencia, Siegel transforma la vergüenza en afirmación.

En la obra de Siegel, crear no es convertirse en otra persona. Es elegir, una y otra vez, ser más plenamente quien ya se es.

Sarah Siegel’s work approaches creation as an act of authorship: the moment a person stops searching for an existing image of themselves and begins constructing one. Her work understands queerness not as something fixed to be discovered, but as something formed through choice, reflection, and the courage to imagine a life beyond what was prescribed.

Drawing from queer and trans histories, Siegel treats identity as a process of self-creation, where the body participates in shaping its own meaning. Becoming oneself appears here not as a departure from the divine, but as one of its deepest acts.

At its core, the work is rooted in radical self-acceptance. Through joy, visibility, and presence, Siegel transforms shame into affirmation.

In Siegel’s work, creation is not about becoming someone else. It is about choosing, again and again, to become more fully yourself.

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